PANTERA NEGRA (BLACK PANTHER): LA EXPANSIÓN DE LAS FRONTERAS DEL UCM – RESEÑA SIN SPOILERS

Era necesario. Marvel es el espejo fabuloso de nuestro mundo, y éste es abierto, diverso y plural. Sin embargo, hasta el momento las películas de Marvel Studios estaban protagonizadas por personajes masculinos y blancos. Kevin Feige sabía que era prioritario estrenar esta cinta, igual que sabe que son necesarias más superheroinas en pantalla, al margen de Carol Danvers. Al respecto, Pantera Negra es una película modélica, realizada e interpretada por personas de color, en la que se sentirán reflejadas de igual manera personas de color, pero que, como ocurre con todo filme de La Casa de las Ideas, está destinado al disfrute de cualquier espectador. La producción escoge centrar su escenario en Wakanda, y mostrar la excepcionalidad del país africano en toda su extensión. Es un lugar fantástico y fabuloso, como sólo se puede encontrar en el Universo Marvel, pero también es el enclave en el que perviven tradiciones que se identifican con África en cada uno de los aspectos, con especial incidencia en lo visual, y entremezclándose a su vez con los elementos tomados del cómic, hasta llegar a fundirse los unos y los otros en una maravillosa sinergia. Sí, tiene la “magia Marvel” en cada frame.

 

ELLAS AL FRENTE

En espera de la llegada de la Capitana Marvel, las mujeres dan un paso adelante en el metraje de Pantera Negra y le roban el protagonismo a T’Challa en cada uno de los planos que comparten con él. Casi perdonamos la innecesaria, pero por suerte ligera y breve, historia de amor, que Lupita Nyong’o asume con toda la dignidad de la que es capaz. Así, nos quedamos con una impresionante plasmación de las Dora Milaje, muy cercana a la del cómic, obviando detalles que podrían dar pie a malinterpretaciones. También y sobre todo brilla Shuri, interpretada por una Letitia Wright para seguir el rastro. Es la Q de un Pantera Negra que llega por momentos a ser James Bond, sin que abandone por ello los principios básicos del personaje de Stan Lee y Jack Kirby. El avance de la franquicia obligaría a una secuela en Nueva York, pero también a una tercera parte en la que fuera Shuri quien vistiera el traje. Chadwick Boseman ya nos demostró en Capitán América: Civil War su capacidad para meterse en la piel de T’Challa, pero Michael B. Jordan le supera con mucho, hasta componer el tercer mejor villano que nos ha ofrecido el UCM, después de Loki y El Buitre. Jordan se eleva por encima de los tópicos con los que se construye su Killmonger, para darnos un carácter complejo, tridimensional y con el que llegar a empatizar.

 

LO MEJOR: SHURI

¡La queremos dentro del traje!

 

 

EL CÓMIC POR ENCIMA DE TODO

La película bebe de la etapa Don McGregor, un poco menos de la Christopher Priest, quizás porque eso nos lo encontraremos en la futura secuela, y apenas unos retazos de la actual época de Coates. En su contra, quizás, juegan otras deudas: esos paralelismos con El Rey León, con la que llega a mimetizarse de manera absurda en demasiados momentos; también evidente la influencia de Iron Man. Sumado esto a una excesiva rigidez a la hora de no salirse de la “fórmula Marvel” que hace que el trabajo del director Ryan Coogler se desdibuje en algunos momentos y de una cierta falta de osadía en la escasa utilización del humor lastran la producción y la alejan un tanto de algunos adjetivos entusiastas que ha llegado a recibir. Muy buena película, pero podría haber llegado a lo más alto. ¿Quizás en la siguiente?

 

DESAPROVECHADO

Andy Serkis merecía mucho más

 

UNA TRANSICIÓN COMPLICADA: MÁS ALLÁ DE McFARLANE Y LARSEN

1992 fue un año de vértigo para Marvel en general y para la Franquicia Arácnida en particular. La creación de Image había dejado de un plumazo sin las dos figuras artísticas más importantes con las que contaba Spiderman en esos momentos. Todd McFarlane y Erik Larsen se habían marchado para lanzar sus propios cómics fuera de la órbita de las grandes editoriales. El mercado se rompería como nunca lo había hecho, pero en La Casa de las Ideas todavía no eran conscientes del golpe que habían recibido. Bien al contrario, las imágenes creadas por McFarlane se siguieron utilizando en los elementos distintivos del personaje. El dibujo del hijo pródigo que nunca regresaría estaba en la logoforma que decoraba las portadas de la que había sido su cabecera y otra de sus figuras también aparecía en el logotipo del Treinta Aniversario del nacimiento de Spiderman, que se celebraba ese mismo año.

 

Habían pasado tres décadas desde que Stan Lee y Steve Ditko hubieran creado al Hombre Araña en Amazing Fantasy #15 USA (1962. Marvel Gold. El Asombroso Spiderman: Poder y responsabilidad), el último número de una serie que a nadie importaba y con el que se dio inicio a un mito de la cultura popular. Treinta años después de aquel revelador momento, el trepamuros vivía su momento comercial más dulce. Danny Fingeroth, el recién estrenado editor de la franquicia, la había heredado de las manos de Jim Salicrup en unas condiciones inmejorables. El trabajo de McFarlane y Larsen, primero en The Amazing Spider-Man y luego en Spider-Man, había puesto de nuevo de moda al personaje, y en Marvel no entendieron por qué habrían de cambiar las cosas ahora que ellos ya no estaban. De hecho, Mark Bagley, el nuevo dibujante de Amazing, conseguía mantener el impulso que habían conferido sus predecesores al principal título arácnido, mientras que David Michelinie continuaría escribiéndola, lo que posibilitaría la continuidad en el tono. Spectacular y Web of, las otras dos colecciones que figuraban junto a Amazing, no habían sufrido cambio alguno por la espantada de los dos dibujantes, lo que aparentemente acotaba el problema.

 

La única de las colecciones en la que había que tomar medidas era ese cuarto título que Salicrup habría creado para uso y disfrute exclusivo de McFarlane y que, tras su salida, Fingeroth había cedido a Larsen, esperando repetir el esquema de dibujante comercial que escribía también sus historias. No había, sin embargo, un tercer autor en liza que pudiera mantener una fórmula que estaba cosechando ventas millonarias. De hecho, la plana mayor de las estrellas de la compañía había optado por sumarse a la aventura de Image. Después de aquello, Marvel estaba quemada de estrellas y nombres que vendían por sí mismos. La política que a partir de ese momento sería decretada desde la cúspide de la editorial iría en sentido contrario: ya no tenían a Jim Lee, Todd McFarlane, Erik Larsen, Rob Liefeld o Marc Silvestri, pero podían recurrir a imitadores que copiaran su estilo, dibujantes sin personalidad que no dieran problemas, bajo la atenta mirada de sus editores, que serían en definitiva los que llevaran la voz cantante a partir de ese momento, aunque en realidad no harían sino plegarse a las demandas del departamento de marketing, que trataría de repetir todos los trucos que durante los años pasados habían traído las ventas millonarias. Se resumían en portadas múltiples, en cartoncillo, con tintas metálicas, relieves u hologramas, además de crossovers siempre que fuera posible, y que darían lugar a nuevas cabeceras pertenecientes a las franquicias de éxito, la arácnida y la mutante en primer término, la cósmica o la sobrenatural en segundo plano. En el departamento de marketing de aquellos primeros noventa nunca habían oído hablar de buenos cómics. En realidad, no hubieran reconocido uno de haberlo visto.

 

Ya no había estrellas a la que encumbrar, pero Fingeroth creyó que, para Spider-Man, seguía valiendo el planteamiento inicial, que mimetizaba la estructura de arcos argumentales con equipos creativos rotantes de Batman: Legends Of The Dark Knight. Siempre sería fácil encontrar guionistas o dibujantes que se quisieran hacer cargo del trepamuros durante unos pocos episodios por un sustancial sueldo. Quizás no serían tan llamativos como McFarlane o Larsen, pero a cambio tampoco serían problemáticos. Para el primero de esos arcos en la era posterior al ocaso de los dioses, Fingeroth se hizo con los servicios de dos autores de peso que nunca habían dejado su impronta en el Hombre Araña. El guionista era Don McGregor, acreedor de una mítica etapa en los años setenta al frente de Pantera Negra, con un toque muy político que había fascinado a un puñado de entusiastas lectores, pero de la que nada sabía buena parte del fandom. McGregor había regresado periódicamente a Marvel, y además de volver el héroe de Wakanda también acometía pequeños encargos con personajes menores, como Blade o Morbius. Para Spider-Man, se encargaría de un relato en dos partes, centrado en el acoso infantil y la facilidad de acceso a las armas que existe en Estados Unidos. Se trataba de una pequeña historia de contenido social como no se veía en las aventuras arácnidas desde mucho tiempo atrás, en la época de la Marvel relevante y con resonancia en la realidad. De dibujarla se ocuparía nada menos que Marshall Rogers, el hombre que había redefinido a Batman o al Doctor Extraño, y cuyos días de gloria también parecían ya olvidados.

 

Con McGregor y Rogers empezaría la nueva etapa del cuarto y más independiente de los títulos arácnidos, pero antes de su llegada, Fingeroth haría tiempo con tres episodios autoconclusivos, realizados por otros tantos equipos. Howard Mackie, firmando como H. Austin Mackie, el que era por aquel entonces escritor de Web of Spider-Man, se haría cargo del primero de ellos, una historia ligada a “La guerra del Infinito”, que era el crossover cósmico que Jim Starlin abanderaba en esos precisos momentos. Mackie optó por El Duende y El Demoduende como villanos, algo que le resultaba sumamente sencillo, puesto que pronto recurriría a ellos en Web of. La trama continuaba en la serie troncal de “La Guerra del Infinito”, donde Spidey no pasaría de tener un papel de mera comparsa. El segundo número de relleno contaría con Excalibur como héroes invitados y estaría escrito por Terry Kavanagh, el editor de los mutantes británicos, que empezaba a hacer sus pinitos ante el procesador de textos. Para esa misma colección, Kavanagh había escrito también una pequeña aventura en dos partes, como complemento del arco de Larsen. Al cabo de un tiempo, pasaría a encargarse de manera continuada de una de las series del trepamuros.

 

El tercer y último episodio de relleno fue el más especial de todos, no por el holograma de portada, tan del gusto de los chicos de marketing, sino porque era el que específicamente celebraba el trigésimo aniversario del personaje. Tom DeFalco y Ron Frenz, que habían compuesto el equipo de Amazing durante buena parte de los añorados ochenta, volvieron a casa para una historia conmemorativa que seguía las reglas no escritas de este tipo de eventos, pero que resultaba especialmente interesante, puesto que Frenz, un discípulo aventajado de Steve Ditko, recreaba los lápices de éste para el debut del trepamuros. La grandeza de antaño seguía ahí, sólo era necesario encontrarla de nuevo.

 

Artículo aparecido originalmente en Spider-Man nº 5: Una gran responsabilidad